Abstracts 

 

Papers

 

Propiedades emergentes de la ciencia, el diseño y la tecnología en el arte.

Un camino de la imaginación y las representaciones estéticas al conocimiento.

 

Comenzaré por la pregunta, Sera que hoy en día es posible preguntarse por fronteras entre diseño, arte, ciencia y tecnología? Cuanta retroalimentación existe actualmente entre éstos saberes? Para explorar esta pregunta es indispensable confrontar las visiones y teorías que posibilitaron un dilálogo entre estos campos del conocimiento.

 

Hoy en día estamos en un medio donde se encuentran más conexiones que disrupciones. Los modelos académicos del arte, el diseño, la ciencia y la técnología están cada vez más confabulados a enriquecerse entre sí para brindar a estudiantes creadores e innovadores del futuro un conocimiento interdisciplinario, con el fín de avanzar en la construcción de nuevos postulados y resultantes de procesos creativos que no deben ser excluyentes de las diferentes concepciones del mundo y modelos de pensamiento.

 

En el campo del arte, el proceso de aprehensión de conociemientos cientifícos a procesos creativos ha sido una tarea larga y en varias fases de la historia, tortuosa, ya que en sus comienzos las obras de arte, representaciones simbólicas, etcétera fueron catalogadas por la filosofía en sus inicios como una mera representación de lo sensible, lo cual no permitía tener procesos racionales y objetivos que llevaran al creador al conocimiento de la verdad. Esa situación la mostraré incursionando brevemente por la historia de las ideas estéticas de Platón, Leonardo Da Vinci y Martin Heidegger, pasando por exponentes del arte que ilustran estas ideas para concluir con una exposición de algunas de  las representaciones caóticas en el arte.

 

Presentado en:

Congresso Internacional de design. Design, Arte e Novas Tecnologias: Caminhos, Intercambios e Fronteiras.

ISCE

Lisboa, Portugal.

Octubre  2006 

 

 I will start with the question, Is it possible to ask about the boundaries of design, art science and technology? How much feedback does it exist today between these know-hows? To explore that question it's indispensable to confront visions and theories that made possible the dialogue between this fields of knowledge.

 

 Today we are on a medium where there are connections and gaps. The academic models of art, design, science and technology are everyday more enter twined to enrich each other to bring students, creators and innovators of the future an interdisciplinary knowledge, with the means of advancing to create new thinking and creative results that should not exclude the different perceptions of the world, models of though and thinking.

 

In the realm of art, the process of apprehension of scientific knowledge towards creative processes has been a task done in several stages of history, tourtouse in its begginigs, given that symbolic representations, etc. where catalogued by phylosophy at its start as a mere representation of the sensitive, which did not allow to achive rational and objective processes of thinking that would lead the creator to the knowledge of truth. I will illustrate that situation incurring briefly in the history of aesthetic ideas of Plato, Leonardo Da Vinci and Martin Heidegger, to conclude  exposing some of the chaotic representations in art.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

(Paper 2)

 

“ In an experience the flow goes from something to something. As one part leads to another, and as another part it brings something that came before, each one wins precision in itself. In all things permanent it diversifies in successive phases that highlight its various colors.”

John Dewey, Art as experience.

 

“En una experiencia el flujo va de algo a algo. Como una parte que conduce a otra y como otra parte trae algo que veinia antes, cada una gana precisión en si misma. En todo permanente se diversifica en fases sucesivas que hacen resaltar sus diversos colores.”

John Dewey, El arte como experiencia. 

 

Abstract 

 

Hacia una múltiple construcción semiótica del Arte interctivo. El projecto In_love: Technological Blasphemy.

 

Este es un análisis semiótico del proyecto In_love, basado en los codigos semióticos de Jan Mukarovsky, en el cual se desglosan los codigos de producción de signos de los elementos proyecto donde la creación de varios significados da como resultado una realidad intecional de diversos signos autónomos construida a partir de una simbiosis de conocimientos y sabers diferentes que se entretejen mediante la praxis interactiva. En el proceso de funcionamiento del proyecto, la producción de significados está vista de manera secuencial, primero lo etéreo y su representación simbólica, luego el discurso estético el cual crea durante la experiencia una sintaxis prágmatica entre la obra y el público para finalmente concluir con la significación autónoma y comunicativa dada por oscilaciones constantes de la relación que establece con la realidad creada.

 

Towards a multiple semiotic construction of interactive Art. The In_love: Technological Blasphemy project.

 

This is a semiotical analysis of the project In_love, by the signifying codes of Jan Mukarovsky, that depicts the codes of sign production within the project elements in which the creation of various meanings give as a result an intentional reality, made by diverse autonomous signs done by a symbiosis of different thoughts and know-hows woven together by the interactive praxis. In the functioning process of the project , the production of meaning is seen sequentially, first the ethereal and its symbolic representation, then the aesthetic discourse that during the experience creates a pragmatic syntax between the artwork and the public and finally its autonomous and communicative significance given by constant oscillations of the relationship established with the created reality.

 

Presented 

Technarte  International  conference  on Art  and  technology 

Bilbao, Spain.

April, 2009 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

(Paper 3) 

 

Is this the Mona Lisa? 

An work of art that reflects about the digital character and the emancipation of works of art through technology.

 

Abstract 

 

As and artist exploring the means of art through digital media, I encountered myself in the Louvre Museum's atrium reconsidering the reproduction of an iconic Artwork such as the Giocondaof Leonardo Da Vinci, by the way people where registering the event of their visit. I started then the theoretical reflection that produced the artwork which uses the elements in which memory and technology move in what I called the digital flux, as the chain of cultural interfaces that act as multipliers of imaging and iconic symbolism. The artwork makes a reflection about technology and the worship of digital images and the Mona Lisa as the icon that detonates the vertiginous anxiety for the construction of imageries and telematic presences within digital media; the same way different kinds of media have changed the relationship the spectator has with works of art and their iconographies. The work of hybrid art embraces and explores the phenomena given by the increment of the mobile technologies which are to capture and reproduce images and the demand of artifacts to edifice memory, where the camera has a privileged place. In the digital fields, color, ratio  and pixel  distortion change the image into something different, there fore the question, Is this the Mona Lisa? In  the artwork  the  state  of contemporary iconography illustrated,  as it's  created  and dissolved  in between  digital  flows of information.

 

Esta es la Mona Lisa?

Una  obra de  arte  que  reflexiona  acerca  del  carácter  digital  y la emacipación de las obras  de arte  mediante  la tecnologia.

 

Como artista explorando las finalidad del arte en los medios digitales, me encontré en el átrio del Museo de Louvre reconsiderando la reproducción de una obra de arte icónica como la Gioconda de Leonardo Da Vinci, por la forma en que la gente registraba el evento en su visita. Comenzó allí la reflección teórica que tuvo como resultado la producción de la obra, la cual utiliza elementos donde la  memoria y la tecnologia que fluctuan en lo que denominé el flux digital, como la cadena de interfases culturales que actuan  a manera de multiplicadores  de la  imagen y el simbolismo  icónico. La  obra  plantea  la reflección, acerca de la tecnologia, la imagen digital como culto  y la  Mona Lisa  como detonante de la ansíedad vertíginosa por la construcción de imaginarios y  presencias  telemáticas dentro  de los medios  digitales; de la misma  forma  en que los medios  han cambiado  la relación que  el espectador  tiene con  las obras de  arte  y sus  iconografías. La obra de arte híbrido  enmarca el auge de las tecnologias  móviles de captación y reproducción de  imagenes  y la demanda  de artefactos  para la construcción de la  memoria, donde se le  ha concedido  a la cámara  un  lugar  privilegiado. En los medios  digitales:  la  distorción de color, ratio  y pixeles,  tornan la imagen en  algo diferente  y de allí la pregunta, Esta  es la Mona Lisa? En la obra se plantea  el estado de  la  iconografía  contemporánea  que se  dibuja y se  desdibuja  entre  flujos  digitales  de información.